Prendre le temps avec le public

« Occupation Bastille », « La grande Escale des Tréteaux » à la Cartoucherie : ces deux manifestations rompent avec la consommation de spectacles liée trop souvent au rythme de la saison théâtrale et aux brèves programmations du secteur public ; elles correspondent à la volonté de créer une relation différente avec le public chez Tiago Rodrigues et Robin Renucci.


« Occupation Bastille » par Tiago Rodrigues

« La grande Escale des Tréteaux » à Paris. Théâtre de l’Epée de Bois. Jusqu’au 2 juillet.


« Occupation Bastille » a duré soixante-huit jours, du 11 avril au 12 juin. Elle est venue de la proposition faite par Jean-Marie Hordé, le directeur de l’établissement, à Tiago Rodrigues de prendre le temps d’habiter les lieux avec le public. L’artiste portugais, depuis peu à la tête du Théâtre national de Lisbonne, était déjà venu à la Bastille avec la troupe flamande tg STAN, à laquelle il a participé dès 1997 dans sa vingtième année. Il y a présenté en 2014 un magnifique spectacle, By Heart ; il y reviendra, lors du prochain Festival d’Automne, avec son Antoine et Cléopâtre d’après Shakespeare, grand succès d’Avignon 2015.

Cette fois il s’est inspiré d’une autre grande œuvre pour sa pièce, Bovary, créée à Lisbonne en portugais, traduite par Thomas Resendes1. Les représentations ouvraient une période pendant laquelle le théâtre a été « occupé » par quatre-vingt-dix personnes  : les membres de l’équipe, des artistes français et portugais, soixante-dix spectateurs. Ce groupe devait préparer trois spectacles joués une seule fois, Ce soir ne se répétera jamais, et un dernier, en fin de parcours, représenté six fois, une sorte de « manifeste-mémoire » de l’ « Occupation », intitulé Je t’ai vu pour la première fois au Théâtre de la Bastille, tous en accès libre.

Dans le programme, Tiago Rodrigues explicitait trois formes d’urgence à l’origine de cette tentative : « Urgence de l’équipe d’un théâtre à questionner son rapport aux artistes et au public, en s’opposant au rythme précipité (mais pas souvent urgent) de la consommation culturelle ; urgence des artistes à rencontrer des théâtres autrement, d’une façon qui leur permette réellement de s’inscrire dans la cité ; urgence, enfin, d’un public qui désire habiter le théâtre comme quelqu’un qui déchiffre un mystère, en pariant sur le fait de ne pas savoir ce qui aura lieu ». Seuls les quatre-vingt-dix participants peuvent vraiment savoir si « ce projet n’a fait qu’effleurer un sujet profond ou s’il a réussi à créer une communauté et à transformer le mode opératoire d’un théâtre ». Mais le fait d’avoir assisté aux différentes étapes publiques de cette occupation, d’avoir circulé dans le théâtre ne pouvait que modifier le regard sur la fin, sur une pièce écrite en trois jours et répétés en six, représentée par les acteurs professionnels seuls présents cette fois sur le plateau.

Certains des matériaux proposés dans une des uniques soirées se retrouvaient dans l’alternance de séquences d’une grande intensité et d’autres plus difficilement partageables, dans une manière d’habiter l’espace et de faire théâtre à mi-voix, dans une acceptation de la vulnérabilité et du doute. Mais l’écart tenait à un magnifique déplacement temporel : dans l’impossibilité de la séparation, l’occupation aurait encore duré vingt ans, jusqu’en 2036 ; était même présent sur scène un squelette, identifié en toute fin comme celui de Tiago Rodrigues ! Une dictature d’extrême droite aurait transformé la place de la République en place de l’Oligarchie ; les journaux auraient disparu et les enfants n’auraient vu d’acteurs qu’au cinéma et à la télévision.

Mais, au-delà de ces éléments d’anticipation, la nostalgie du futur, provoquée par la distance fictive, faisait prendre conscience, avec une rare acuité, de l’irréversibilité de la soirée, de ses moments les plus forts ; un jour la lecture par deux jeunes spectateurs de la lettre jamais envoyée à l’enfant jamais né vingt ans plus tôt, la reprise partagée du sonnet trente de Shakespeare : « Quand je fais comparoir les images passées/Au tribunal muet des songes recueillis/Je soupire au défaut des défuntes pensées/Pleurant de nouveaux pleurs les jours trop tôt cueillis ».

Bovary Bonaffé Bovary Rodrigues

Jacques Bonaffé dans Bovary © Pierre Grosbois

Il y avait aussi un plaisir particulier à retrouver en fin de parcours, dans une familiarité nouvelle, les interprètes de Bovary, à resituer le spectacle dans un rapport au plateau d’une grande liberté, manifestement indissociable de l’ensemble du projet pour Tiago Rodrigues. La pièce s’inspirait du roman, mais aussi du procès de 1857 et de la correspondance de Gustave Flaubert avec Elisa Schlésinger. Cinq comédiens passaient d’un personnage à l’autre. L’irrésistible Jacques Bonnaffé prêtait sa voix au romancier, mais aussi parfois à Léon, le plus souvent joué par David Geselson, lui-même avocat Sénard et Lheureux, Ruth Vega Fernandez, magnifique procureur Pinard, devenait soudain Rodolphe et ne cessait d’embrasser à pleine bouche Emma/Alma Palacios, seule, avec Grégoire Monsaingeon (Charles) à tenir un rôle unique. Celle-ci, héroïne d’une révolte communicative, disparaissait, à la mort du personnage, quasiment derrière les pages du texte, qui, au début de la représentation, jetées en l’air, étaient retombées, disséminées, sur le plateau : signe annonciateur de l’alacrité du spectacle, d’une même inventivité dans la traversée de l’œuvre que dans l’écriture de la pièce.

Autre grand plaisir en cette fin de saison : aller et retourner à la Cartoucherie de Vincennes, dans le si beau Théâtre de l’Epée de Bois, toujours dirigé par Antonio Diaz-Florian, saisir l’occasion d’une présence exceptionnelle, pendant plus d’un mois, des Tréteaux de France à Paris. Le Centre dramatique national itinérant, dirigé depuis 2011 par Robin Renucci, se maintient toujours un certain temps dans les différents territoires où ont lieu ses tournées. Mais sa mission reste indissociable du mouvement de décentralisation vers la province, depuis que Jean Danet en 1959 a donné à son théâtre un nom évocateur de toute une tradition populaire. « La grande Escale » propose cette fois, dans le douzième arrondissement de la capitale, six spectacles, des débats, des ateliers et des stages.

Ainsi le dimanche 5 juin se succédaient De Passage de Stéphane Jaubertie, L’École des femmes, une rencontre avec l’interprète d’Arnolphe, Robin Renucci, et le metteur en scène, Christian Schiaretti. L’après-midi commençait avec la découverte d’un texte pour tout public à partir de neuf ans, dont la réalisation poétique, sous forme de théâtre d’ombre, par Johanny Bert permettait l’évocation de thèmes tels que l’adoption, la maladie et la mort. Elle se poursuivait avec la pièce de Molière, elle aussi conseillée dès l’âge de neuf ans, tant les obstacles de la langue et de l’alexandrin pouvaient être surmontés grâce à la vitalité du jeu, la préservation de la farce compatible avec une vraie humanité, la superbe interprétation de Robin Renucci, à la fois pleinement comique et pleinement tragique. Ce spectacle est en outre exemplaire d’un dispositif conçu pour l’itinérance dans les salles les plus variées et les moins équipées, par la solution élégante de la scénographie et des lumières. Ces contraintes techniques apparaissaient nettement dans le dialogue, d’une exigence et d’une probité rares, entre Robin Renucci et Christian Schiaretti qui commentaient la pratique du vers comme la grande actualité de la pièce, dans le refus revendiqué de toute actualisation par la mise en scène.

Robin Renucci manifeste aussi sa confiance dans l’intelligence du spectateur, quand il monte la pièce de Balzac Le Faiseur : « Nous n’avons pas à faire affront au public en se grimant dans le costume de son quotidien. » La tentation est grande d’une transposition au XXIe siècle, tant Mercadet évoque des figures contemporaines, représentatives de la spéculation financières et des ravages de la dette. Mais l’adaptation d’Evelyne Loew y résiste et les personnages évoquent bien les années 1840, avec un léger décalage inspiré par les caricatures de Daumier. Selon le principe du répertoire, favorisé par l’existence d’une troupe, le spectacle est repris du 15 juin jusqu’à la fin de l’Escale. Il peut être vu après La Leçon d’Eugène Ionesco, mis en scène par Christian Schiaretti, avec René Loyon dans le rôle du professeur et non plus Robin Renucci, ou après Œuvrer. Cette création, en coproduction avec la Comédie de Poitou-Charentes, entre autres partenaires, est représentative de cette approche dite « en infusion » des Tréteaux. Laure Bonnet, à partir d’entretiens dans diverses régions, a écrit et mis en scène une pièce sur le travail. La fiction d’un couple (Maia Commère et Arnaud Frémont), aussi attaché l’un à l’autre que mal assorti, donne lieu à une comédie à la fois jubilante et perturbante : activité physique sur le chantier d’une maison et transmission des témoignages sur la musique jouée en direct d’Éric Proud. Conformément aux pratiques des Tréteaux un débat est organisé le 19 juin sur « la représentation du monde du travail dans la création théâtrale d’aujourd’hui ».


  1. Tiago Rodrigues, Bovary. Les Solitaires intempestifs, 112 p., 13 €

Monique Le Roux

À la Une du n° 12